Das Meer ist in diesem Film keine Kulisse. Die Wellen, die das Bild füllen, sind ein Weg, auf dem etwas fortgetragen wird, und zugleich ein Ort, an dem bleibt, was nicht zurückkehrt. Mati Diops „Atlantique“ eröffnet die Erzählung damit, dass es diese Wellen lange betrachtet.
Die 2019 entstandene senegalesisch-französisch-belgische Koproduktion ist das Langfilmdebüt der Regisseurin. Diop schrieb ihren eigenen gleichnamigen Dokumentarfilm von 2009 zu einem Spielfilm um und arbeitete überwiegend mit unbekannten Darstellern. Im selben Jahr lief der Film im Wettbewerb von Cannes, wo Diop als erste Schwarze Regisseurin einen Wettbewerbsbeitrag inszenierte, und erhielt den Großen Preis der Jury.
Schauplatz ist die Atlantikküste am Rand von Dakar. Ein futuristisch anmutender Hochhausturm soll bald eröffnen, doch die Arbeiter, die ihn gebaut haben, warten seit Monaten auf ihren Lohn. Einer von ihnen, Souleiman, liebt Ada, doch Ada steht auf Wunsch ihrer Eltern vor der Hochzeit mit einem anderen Mann. In einer Nacht besteigen die Arbeiter ein Boot nach Spanien.
Der Grund für ihren Aufbruch ist weder Krieg noch Verfolgung. Sie haben für ihre Arbeit kein Geld bekommen, und es war nicht abzusehen, wie sie es bekommen sollten. Wer sich an der westafrikanischen Küste auf die Route nach Europa begibt, gehört meist zu den Jüngsten und Kräftigsten im Dorf.
Klima und Wirtschaft sind hier kaum voneinander zu trennen. Wenn die Fischgründe schrumpfen und die Landwirtschaft ins Wanken gerät, ziehen die Menschen in die Städte, und die Baustellen der Städte nehmen sie auf. Bleibt auf diesen Baustellen der Lohn aus, liegt das nächste Ziel jenseits des Meeres. Genau diese Abfolge zeigt „Atlantique“.
Der Film verhandelt die verschwundenen jungen Männer nicht als Statistik. Er folgt der Zeit derer, die zurückbleiben. Während die Hochzeit stattfindet, im Haus der Frischvermählten ein Feuer ausbricht und die Polizei nach dem Brandstifter sucht, kehren die Fortgezogenen auf andere Weise ins Viertel zurück. Trotz der phantastischen Mittel bleibt die Textur der Bilder bis zum Ende in der Wirklichkeit verankert.
Die Kraft der Inszenierung liegt darin, die Bilder langsam fließen zu lassen. Statt Ereignisse zu erklären, hält Diop lange auf die nächtliche Küste, den gefärbten Himmel, die Zimmer, in denen niemand schläft. Mit dieser sich häufenden Stille verwandelt sich das dürre Wort Lohnrückstand in eine körperliche Empfindung.
Dagegen löst der Verlauf in der zweiten Hälfte, der den polizeilichen Ermittlungen folgt, einen Teil der Spannung auf, die die vorangegangenen Szenen aufgebaut haben. Im Bemühen, die Regeln des Genres einzuhalten, entstehen Passagen, in denen die Dichte des Blicks nachlässt.
Auch die Anordnung der Figuren verdient Beachtung. Der Bauunternehmer, der den Lohn hinauszögert, wird nicht als Monster gezeichnet, und die fortgezogenen jungen Männer werden nicht zu Helden. Der Film zielt weniger auf die Bosheit Einzelner als auf die Art und Weise, wie das Geld nicht fließt. Durch dieses Gleichgewicht rückt das Werk näher an eine Frage, auf die das Publikum eine Antwort finden muss, als an eine Anklage, die jemanden bestrafen will.
Wer das Ende schon für sich festgelegt hat, wird diesen Film zäh finden. Wer auf die Szene wartet, in der die Ausbeutung bestraft wird, hält zwei Stunden aus nächtlichem Meer und schlaflosen Zimmern kaum aus. Ebenso ergeht es denen, die eine Erzählung wollen, die die Ursachen der Ereignisse klar auflöst. Was Diop festhält, ist die Zeit, die die Zurückgebliebenen durchqueren, und wer nicht bereit ist, diese Zeit mitzuertragen, dem öffnet das Werk am Ende keine Tür.
