Nagasaki 1964, beim Neujahrsbankett der Yakuza-Organisation Tachibana tanzt der Junge Kikuo als Onnagata eine Passage aus 「Das Tor」. Kaum ist die Vorstellung vorbei, dringt eine verfeindete Organisation ein, und vor seinen Augen stirbt der Vater des Jungen. 「Kokuhō」 beginnt damit, den schönsten Moment der Kunst und den Moment der größten Nähe zum Blut im selben Raum übereinanderzulegen.
Es ist der 2025 entstandene Film von Regisseur Lee Sang-il. Er beruht auf dem gleichnamigen Roman von Shūichi Yoshida aus dem Jahr 2018, das Drehbuch schrieb Satoko Okudera, Ryo Yoshizawa und Ryusei Yokohama spielen die beiden jungen Schauspieler, Ken Watanabe spielt Hanai Hanjirō II. Nach der Erstaufführung am 18. Mai in der Quinzaine des Cinéastes des 78. Festivals von Cannes kam er am 6. Juni in Japan in die Kinos.
Kikuo, der seinen Vater verloren hat, plant Rache, scheitert damit und wechselt im folgenden Jahr in die Welt einer angesehenen Kabuki-Familie. In diesem Haus lebt ein leiblicher Sohn. Dass derjenige, der durch Blut erbt, und derjenige, der durch Begabung danach greift, unter einem Dach aufeinandertreffen, ist der Motor dieses Films. Wie oft das Wort Weitergabe dasselbe Gesicht trägt wie Verrat, betrachtet der Film ohne Eile und lange.
Die Debatte über immaterielles Erbe läuft bei uns überwiegend in der Sprache der Institutionen. Ausweisung und Anerkennung, Zahl der Stipendiaten für die Weitergabe, Posten der Fördermittel. Die Weitergabe jedoch, die 「Kokuhō」 zeigt, besteht aus dem Winkel der Fußspitzen, dem Rhythmus, in dem der Hals geneigt wird, der Gewohnheit der Hand, die die Schminke anrührt. Eine Technik, die nur von Körper zu Körper übergeht, lässt sich nicht abschreiben, und wenn ein Mensch zusammenbricht, verschwindet eben so viel.
Auch die Spannung zwischen Bewahrung und Nutzung wird nicht verwischt. Kabuki ist kein Museumsstück, sondern eine Bühnenkunst, die jeden Tag Karten verkaufen muss, und wenn die Person auf der Bühne wechselt, wechselt auch das Publikum. Den Punkt, an dem die Entscheidung darüber, wen man auf die Bühne stellt, zur Entscheidung darüber wird, was man bewahrt, trifft dieser Film genau.
Die Regie filmt vor dem Gesicht die Hände und Füße und das Gefühl, mit dem die Kleidung auf den Körper drückt. Darin liegt auch der Grund, weshalb Maske und Haarstyling besonders gelobt wurden. Die Schminke wird nicht als Mittel eingesetzt, die Figur zu verdecken.
Sie funktioniert als der Vorgang selbst, in dem die Figur in einen anderen Körper übergeht. Die Kamera bindet die Künstlichkeit des Bühnenlichts und die klamme Dunkelheit der Garderobe zu einer Welt zusammen. Dass Spiel, Regie und Kamera durchweg gute Kritiken bekamen, liegt daran, dass diese drei Ebenen auf dieselbe Stelle blicken.
Es gibt auch Stellen, die weniger überzeugen. Weil der Kontrast der beiden Figuren so deutlich angelegt ist, entstehen nach der Mitte Passagen, in denen die Ereignisse nur noch diesen Bauplan bestätigen. Auch die Herkunft aus der Yakuza-Welt behält gegenüber der Wucht des Anfangs zum Ende hin nur noch symbolisches Gewicht. Sobald aber die Bühnenszenen beginnen, verliert diese Vorhersehbarkeit ihre Kraft.
In Japan spielte der Film 128 Millionen Dollar ein und wurde zum erfolgreichsten Realfilm aller Zeiten, als japanischer Beitrag in der Kategorie Internationaler Film der 98. Academy Awards kam er im Dezember auf die Vorauswahlliste und wurde in der Kategorie Maske nominiert. Was noch lange bleibt, wenn die Zuschauerrekorde vergessen sind, ist der Rhythmus der Hand, die die Schminke anrührt.
Wer die Arbeit hinter der Bühne langweilig findet, hat keinen Grund, eine Karte zu kaufen. Dasselbe gilt für die, die wegen der Yakuza-Herkunft Action erwarten, und wer nur sehen will, wie der Wettstreit der beiden Figuren ausgeht, wird ab der Mitte ermüden. Woran dieser Film lange festhält, ist die Zeit des Schminkeanrührens und des Anlegens der Gewänder, und wer nicht bereit ist, diese Zeit auszuhalten, dem bleibt auch wenig.
